第291章 东西方的“形”与“意”。
说到这里。
李景霖微微一笑。
“几乎绝大多数的华夏古典音乐，自发展起，就是标题音乐，并且，相当鲜明且有强度的文学属性，贯穿其中。”
“呼！！”
台下学生们瞪大眼睛。
兴趣更是浓郁了几分。
这听起来，似乎神秘东方的音乐，从一开始，就和西方音乐完全不同。
此时，这些作曲专业的学生们，接触到另一个音乐体系时。
内心无疑是激动的，更是好奇的。
“而这，对两种音乐体系的发展，造成了什么影响呢？”
李景霖在黑板上写下了两个词。
【想象力】与【形式】
“我认为，音乐可以是一种自然和谐的数学另类表达，所以，它一定要具有逻辑性，具有科学缜密的架构与规则，这便是音乐的形式美。”
“而音乐又是一种艺术，建立在想象力之上的艺术美更是至关重要，它基于形式，但发展出了属于人类独有情感与思维的艺术之美。”
“优秀的音乐，其实就是在形式美与艺术美之间，找好一个协调的位置。”
“均衡，中庸，过犹不及，这便是华夏先祖对宇宙万物观测，而得出来的结论。”
李景霖这些话一说。
学生们顿时感觉，自己好像明白了点什么。
当即便若有所思的点点头，你看看我，我看看你。
似乎有点明白这个“意”与这个“神”的另一种解释了。
这或许是一种精神上的境界，一种对美更高的追求，一种超脱了音乐形式束缚的体验。
“所以，从我个人来看，我认为，音乐的发展是殊途同归的，无论是西洋音乐的发展形势，还是华夏音乐完全不同的发展路线，无非就是人在对美的追求中，逐渐意识到了形式美以及艺术美之间的关系，并且开始在其中寻求协调的不同过程。”
“两者，也都曾经有走过极端。”
为了让学生们能够更好的理解。
李景霖便举出了两个来自于东西方音乐不同时期发展的例子。
去阐述古人对“艺术美”与“形式美”的实践与追求。
“比如庄子的大音希声，便曾经否认了音乐的形式美，只去追求意境，上升到哲学范畴，音乐便不是音乐，而变成了哲学。”
“又比如西方音乐史中对规则要求愈发严谨的守旧派，他们拥趸的是【音乐必须且只能为教会服务】这一理念，过度追求形式上的严谨，发展缓慢，再到复调，后来又加入了带有固定歌词的圣咏。”
“音乐结构展现了诗词结构，对现代的世俗音乐都影响极深，确实起到了统一，领导，和决定性的作用，但也否定了音乐本身的艺术美，缩小了发展的空间。”
说到这里。
李景霖便变的很认真。
扫视了一圈学生们后，严肃的开了口。
“我们不会抛弃掉历史的局限性，单纯的评价功过对错，先贤们的探讨，是为了后人的归纳总结，而不是彼此之间再次降维的斗争。”
“无论是走什么道路的先贤，我们都应该秉持尊重与认可，感谢他们为人类艺术事业所做出的实践与探讨，并且继承下他们留给我们的宝贵遗产。”
说到这里。
学生们顿时送上了热切的掌声。
纵使是教授们，也忍不住为其鼓掌。
李景霖要表达的学术精神与意思，已经是再直白不过的了。
【音乐就是音乐，公平，公正，客观，一切为的是音乐的进步。】
【不要局限于东西方，更不要局限于谁优劣，能够进步才是真理。】
这不偏不倚，对真理的论述。
哪怕会有人抱有不同的想法。
也终是会因此尊敬李景霖的。
待掌声渐熄。
李景霖便继续开口道。
“音乐的发展，其实便是从这二元对立且兼容的模式之下，相融又冲突的发展起来的。”
“所以，在到了现代音乐时，我便认为，目前的音乐发展，一定是要追求形式美与艺术美的和谐共生，在表达形式美的音乐逻辑上，也具有艺术美的意境存在。”
“这也是我要给你们讲述华夏音乐，讲述华夏音乐体系的原因。”
似乎是说给学生们听的。
也似乎是说给教授们听的。
但不管是学生还是教授。
无论是否骄傲，也无论对东西方音乐有何种不同的看法。
此时，都已经逐渐被李景霖所说服了。
客观看待，彼此之间取长补短，才是未来音乐的发展方向。
紧接着。
李景霖便继续给这些国外的学生们讲述起了华夏音乐的特点。
并不是所谓的五声调式，五声音阶。
五声音阶不是只有五个音，而是五个正音为主的调式，并且，无论是霓虹，东欧，印第安，非洲音乐中，都有不同的五声音阶。
如果光从音的唱名，或是音阶之间的音高来看，与华夏调式近似的也不是没有。
之所以质感完全不一样，完全是在于音阶的用法，
举个例子。
12356音阶，和35612音阶，看似音和音的排列顺序是一样的，音也都是那些个音。
但实际上，若是开头的主音不同，在音阶创作上，仍然有所区别。
12356是宫调式，那么，35612就是角调式。
这便是华夏音乐体系中的旋宫转调。
而由于西方古典音乐的定音，是建立在平均律上的，而华夏古典音乐则是三分损益法。
所以，在定义规矩这方面，也是不同的。
同样规律的一个音，或许在两种体系下并不相似。
在现代的音乐框架之下，华夏音乐的体系虽然也在遵循着平均律，但实际上，华夏的传统乐器，有的是按照平均律调的，但也有遵循传统三分损益定音的乐器。
比方说民间的一些琵琶，古琴。
想要提升编曲能力，这些东西便需要进行了解。
现代音乐的基础，这个西洋古典音乐，古典，其实应该翻译成严肃。
classic。
古典不代表多么古，大致应该从文艺复兴的前后来算起。
因为是这个时候开始形成具体体系以及“标准化”的。
至于为什么以西方古典为基础，是因为西方音乐更注重逻辑与规范，简单形容，那就是素描，讲究的是形，复杂的结构也能够轻易剖析，这就很方便教学。
而中国为首的东方音乐更注重神似，在意境，境界上是很高深的，但不注重形，这会导致学习门槛虽然同样，但想进阶到一定深度的话，难度相当高。
至于说谁优谁劣谁先进，大可不必。
没必要贬低别人，更没必要自我矮化。
音乐是时间的艺术，单纯只是在时间表达上不同罢了，但实则殊途同归。现如今的音乐教育也是需要详细学习中国的音乐体系的。
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李景霖微微一笑。
“几乎绝大多数的华夏古典音乐，自发展起，就是标题音乐，并且，相当鲜明且有强度的文学属性，贯穿其中。”
“呼！！”
台下学生们瞪大眼睛。
兴趣更是浓郁了几分。
这听起来，似乎神秘东方的音乐，从一开始，就和西方音乐完全不同。
此时，这些作曲专业的学生们，接触到另一个音乐体系时。
内心无疑是激动的，更是好奇的。
“而这，对两种音乐体系的发展，造成了什么影响呢？”
李景霖在黑板上写下了两个词。
【想象力】与【形式】
“我认为，音乐可以是一种自然和谐的数学另类表达，所以，它一定要具有逻辑性，具有科学缜密的架构与规则，这便是音乐的形式美。”
“而音乐又是一种艺术，建立在想象力之上的艺术美更是至关重要，它基于形式，但发展出了属于人类独有情感与思维的艺术之美。”
“优秀的音乐，其实就是在形式美与艺术美之间，找好一个协调的位置。”
“均衡，中庸，过犹不及，这便是华夏先祖对宇宙万物观测，而得出来的结论。”
李景霖这些话一说。
学生们顿时感觉，自己好像明白了点什么。
当即便若有所思的点点头，你看看我，我看看你。
似乎有点明白这个“意”与这个“神”的另一种解释了。
这或许是一种精神上的境界，一种对美更高的追求，一种超脱了音乐形式束缚的体验。
“所以，从我个人来看，我认为，音乐的发展是殊途同归的，无论是西洋音乐的发展形势，还是华夏音乐完全不同的发展路线，无非就是人在对美的追求中，逐渐意识到了形式美以及艺术美之间的关系，并且开始在其中寻求协调的不同过程。”
“两者，也都曾经有走过极端。”
为了让学生们能够更好的理解。
李景霖便举出了两个来自于东西方音乐不同时期发展的例子。
去阐述古人对“艺术美”与“形式美”的实践与追求。
“比如庄子的大音希声，便曾经否认了音乐的形式美，只去追求意境，上升到哲学范畴，音乐便不是音乐，而变成了哲学。”
“又比如西方音乐史中对规则要求愈发严谨的守旧派，他们拥趸的是【音乐必须且只能为教会服务】这一理念，过度追求形式上的严谨，发展缓慢，再到复调，后来又加入了带有固定歌词的圣咏。”
“音乐结构展现了诗词结构，对现代的世俗音乐都影响极深，确实起到了统一，领导，和决定性的作用，但也否定了音乐本身的艺术美，缩小了发展的空间。”
说到这里。
李景霖便变的很认真。
扫视了一圈学生们后，严肃的开了口。
“我们不会抛弃掉历史的局限性，单纯的评价功过对错，先贤们的探讨，是为了后人的归纳总结，而不是彼此之间再次降维的斗争。”
“无论是走什么道路的先贤，我们都应该秉持尊重与认可，感谢他们为人类艺术事业所做出的实践与探讨，并且继承下他们留给我们的宝贵遗产。”
说到这里。
学生们顿时送上了热切的掌声。
纵使是教授们，也忍不住为其鼓掌。
李景霖要表达的学术精神与意思，已经是再直白不过的了。
【音乐就是音乐，公平，公正，客观，一切为的是音乐的进步。】
【不要局限于东西方，更不要局限于谁优劣，能够进步才是真理。】
这不偏不倚，对真理的论述。
哪怕会有人抱有不同的想法。
也终是会因此尊敬李景霖的。
待掌声渐熄。
李景霖便继续开口道。
“音乐的发展，其实便是从这二元对立且兼容的模式之下，相融又冲突的发展起来的。”
“所以，在到了现代音乐时，我便认为，目前的音乐发展，一定是要追求形式美与艺术美的和谐共生，在表达形式美的音乐逻辑上，也具有艺术美的意境存在。”
“这也是我要给你们讲述华夏音乐，讲述华夏音乐体系的原因。”
似乎是说给学生们听的。
也似乎是说给教授们听的。
但不管是学生还是教授。
无论是否骄傲，也无论对东西方音乐有何种不同的看法。
此时，都已经逐渐被李景霖所说服了。
客观看待，彼此之间取长补短，才是未来音乐的发展方向。
紧接着。
李景霖便继续给这些国外的学生们讲述起了华夏音乐的特点。
并不是所谓的五声调式，五声音阶。
五声音阶不是只有五个音，而是五个正音为主的调式，并且，无论是霓虹，东欧，印第安，非洲音乐中，都有不同的五声音阶。
如果光从音的唱名，或是音阶之间的音高来看，与华夏调式近似的也不是没有。
之所以质感完全不一样，完全是在于音阶的用法，
举个例子。
12356音阶，和35612音阶，看似音和音的排列顺序是一样的，音也都是那些个音。
但实际上，若是开头的主音不同，在音阶创作上，仍然有所区别。
12356是宫调式，那么，35612就是角调式。
这便是华夏音乐体系中的旋宫转调。
而由于西方古典音乐的定音，是建立在平均律上的，而华夏古典音乐则是三分损益法。
所以，在定义规矩这方面，也是不同的。
同样规律的一个音，或许在两种体系下并不相似。
在现代的音乐框架之下，华夏音乐的体系虽然也在遵循着平均律，但实际上，华夏的传统乐器，有的是按照平均律调的，但也有遵循传统三分损益定音的乐器。
比方说民间的一些琵琶，古琴。
想要提升编曲能力，这些东西便需要进行了解。
现代音乐的基础，这个西洋古典音乐，古典，其实应该翻译成严肃。
classic。
古典不代表多么古，大致应该从文艺复兴的前后来算起。
因为是这个时候开始形成具体体系以及“标准化”的。
至于为什么以西方古典为基础，是因为西方音乐更注重逻辑与规范，简单形容，那就是素描，讲究的是形，复杂的结构也能够轻易剖析，这就很方便教学。
而中国为首的东方音乐更注重神似，在意境，境界上是很高深的，但不注重形，这会导致学习门槛虽然同样，但想进阶到一定深度的话，难度相当高。
至于说谁优谁劣谁先进，大可不必。
没必要贬低别人，更没必要自我矮化。
音乐是时间的艺术，单纯只是在时间表达上不同罢了，但实则殊途同归。现如今的音乐教育也是需要详细学习中国的音乐体系的。
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